对位法怎么学 既然和弦是从对位和复调发展出来的，学校为何不先教复调？
有会对位法的朋友吗？对位法可以自学吗？学对位法需要哪些音乐理论知识？对位法的方法，既然和声可以自学，那么对位法（复调）自学靠谱么？既然和弦是从对位和复调发展出来的，学校为何不先教复调？完全不懂音乐的人如何学音乐？
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- 有会对位法的朋友吗？对位法可以自学吗？学对位法需要哪些音乐理论知识？
- 对位法的方法
- 既然和声可以自学，那么对位法（复调）自学靠谱么
- 既然和弦是从对位和复调发展出来的，学校为何不先教复调？
- 完全不懂音乐的人如何学音乐?
有会对位法的朋友吗？对位法可以自学吗？学对位法需要哪些音乐理论知识？
基本不能自学。你学过音乐吗？弹过赋格吗？接触过的话会好学一点
对位法的方法
对位法采用的方法只有两种，即模仿和对比，赋格曲是用模仿方法创作的最高级形式。应用对位法的最常见的固定形式的作品类型有赋格和卡农。补充：对位法还被应用于电影电视作品的音、视频融合。日本的黑泽明导演曾经在他的电影中天衣无缝地使用这一手法。虽然使用的曲目似乎与情节无关，但其产生的效果极大地放大了画面的表现力。当主人公的步伐、镜头的切换与音乐完美地融合时，情节、画面所要渲染出的感情将观众紧紧包围。
既然和声可以自学，那么对位法（复调）自学靠谱么
要想达到一般专业水平而言，复调要比和声易学。可世俗上的见解是先和声后复调，认为复调难学！其实是难学在自己的键盘水差，难于反复弹奏分析复调音乐规律。现今好了，键盘差可用电脑制作来研究各种复调音乐。就是不会弹琴，借助电脑制作照样可学习和声和复调。利用现代学习工具自学复调是靠谱的！
既然和弦是从对位和复调发展出来的，学校为何不先教复调？
其实目前主流的先学和声再学复调的顺序，基本上是合适的。
因如下：从音乐史的角度来看，虽然和弦是从复调音乐中发展而来的，但这个发展成型的过程基本上是在巴洛克时期以前的文艺复兴时期。那个时期的复调音乐虽然最终发展出了和弦，但并没有发展出后来通用的和弦链接的规则和调性和声的理论，这个理论的形成是在巴洛克时期。
对位法一般可以分为两块内容，一块就是文艺复兴时期的modal counterpoint，一块是巴洛克开始的tonal counterpoint。这个modal counterpoint的主要内容可以用那个5 species，这个5 species，的确应该是可以放在和声学之前来学习的，这也就是对位法基础内容。
但是，进入到17世纪以后的巴洛克时期，大小调功能和声体系建立以后，不管是写主调音乐还是复调音乐，遵循的和声规则都是一样的了，也就是我们现在熟悉的传统和声学。和声学相当于是教你这些和声规则和体系，是不涉及具体音乐的织体性写作的。而对位法的教学，其实做的是将和声学中的和声规则横向化、节奏化和对位化，本质上是对和声学抽象理论的一种实际音乐的写作实践，所以，显然是需要懂得和声学，才能知道在写复调的时候，纵向上的和声是怎么安排。说白了就是，写复调，也是要有隐含的和弦链接的。和声相当于是复调的一个先行课。
最后，吐血推荐雷兹的《完全音乐理论》！这本书，的确是先教对位法的基础内容，再教和弦链接规则的。
完全不懂音乐的人如何学音乐?
1、学习乐理。通常包括相对简单的基础理论，如读谱、音程、和弦、节奏、节拍等。乐理主要包括音的高低、音的强弱、音的长短和音色，其中以音的高低和长短最为重要，音的高低决定于物体在一定时间的振动次数（频率）。音色是指音的感觉特性，是音乐中极为吸引人、能直接触动感官的重要表现手段。音的高低、强弱、长短、音色在音乐表现中非常重要。
2、学习视唱练耳。通常包括听觉训练、听写和视唱三部分，学习步骤可以分为音阶练习、音程的模唱与构唱、和弦连接练习、二声部的视唱练习等。视唱练耳能够发展音乐听觉，增强音乐记忆力，培养正确的音准和节奏感，获得熟练的读谱技能及丰富的音乐语汇。
3、学习和声。和声是两个或两个以上不同的音按一定的法则同时发声而构成的音响组合，包含了和弦与和声进行。和弦是和声的基本素材，由3个或3个以上不同的音，根据三度叠置或其他方法同时结合构成。和声进行是指各和弦的先后连接。和声有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用，有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用。
4、学习曲式。曲式是乐曲的结构形式，在发展的过程中形成了各种段落，在这些段落所形成的规律性中，可以找出的具有共性的格式便是曲式。一首乐曲仅由一个乐段构成的称“一部曲式”，一般由两个各有四小节（或八小节）的乐句组成的'乐段'（专称为'方整性的乐段'）在器乐曲中最为常见。
5、学习复调。复调是两段或两段以上同时进行、相关但又有区别的声部所组成。这些声部各自独立，但又和谐地统一为一个整体，彼此形成和声关系，以对位法为主要创作技法，同一旋律隔开一定时间的先后模仿称为模仿复调，不同旋律的同时结合叫做对比复调。 复调音乐的体裁有卡农、创意曲、赋格、经文歌、复调尚松、坎佐纳等。
6、学习演唱。正确的演唱方式是身体自然直立，保持自然放松，头部保持于眼睛向前平视稍高的位置，胸部自然挺起，两臂自然垂落，两肩略下后一点，小腹收缩，两脚一前一后稍分开，重量落在双脚上，面部，眼神要自然生动，嘴巴应当张得开，放得松，切记紧咬牙关，歌唱时下颌收回，正确的感觉应该是由小腹到两眉之间形成一条直线，脖子和后背、腰部连成一线。演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。
7、学习配器。配器是给一段旋律配上各种乐器，使之形成多声部的音乐。在分配乐器之前一般“主要声部”或“结构因素”就已经基本确立（注意措辞，是“基本确立”）。配器是作曲法的组成部分之一，需要学习的内容要点为各类乐器性能极其演奏法、乐曲原音响统一效果、各类乐器的音色对比与配合效果，配器还常用于现成乐曲配器，如将钢琴曲、重奏曲等改编为的管弦乐曲。
8、学习作曲。作曲是创作音乐的行为，或音乐的创作过程，需要运用基本乐理、复调、和声学、配器法、曲式结构的技术理论体系来表达创作者音乐思想的方法。曲式有很多种，无论是古典的还是现代的创新之作，都会包含对比、变奏、重复三个原则，音乐的进行、冲突和情绪的改变都来自于对比，如弦乐与木管、强与弱、快与慢、大调与小调等；变奏手法是将一个音乐材料在保留某些特征的情况下进行变化，比较简单的变奏是基本保持主题的旋律轮廓、节奏型甚至和声，只是添加一些小小的装饰；重复是指音乐材料的再次出现，为了让听者对音乐素材留下深刻印象，重复或者带有变化的重复就是必须的手段。
